Von außen fast unbemerkt versteckt sich der Auster Club in den Kellergewölben des Weltrestaurants Markthalle.
Fr, 30.09.2016
Määähshugge #2 | Party
Let’s get Määähschugge one more time!
Unser Name hat sich geändert, you can call us SHEEPLESS now, nicht aber unsere Mission:
Die Hauptstadt mit frischen elektronischen Events einzudecken um Euren never ending Durst nach Basslines zu stillen!
Deswegen heißt es jetzt wieder: Määähschugge #2 !
Der Auster Club geht abermals auf Defcon 1 am 30.September ab 23:00 unter der schönen Kreuzberger Markthalle.
Um unserem Eskalations-Anspruch gerecht zu werden, werfen wir noch ein paar DJ-Perlen vor Euch Partysäue:
4 Knalleracts für lausige 5 Piepen inkl. Welcomeshot in einer geschmeidigen Location: Auch ohne Mathematikstudium sollte ein Raver hier feststellen können, dass sich ein Besuch mehr als rechnet!
Alle feierwütigen Schafe im Wolfspelz dürfen hiermit wieder aufatmen und tiefenentspannt dem Wochenende entgegenfiebern, das Partyleben macht endlich wieder Sinn!
Hip Hip Hurrave!
23:00 Uhr bis 00:00 Uhr freier Eintritt
ab 00:00 Uhr normaler Preis
THEODORE
Am 22. Juli erschien„It Is But It’s Not“ (United We Fly Music Productions/H’art) von Theodore. Gerade mal 24 Jahre alt, hat der Multi-Instrumentalist aus Griechenland bereits die Musik für zwei Filme und einige Theatervorstellungen geschrieben. Nun folgt nach „7“ (2010) sein zweites Album, co-produziert und aufgenommen von Clive Martin in den Abbey Road Studios.
Jeder, der den hochbegabten Athener schon live mit seiner Band auf der Bühne gesehen hat, versteht, warum ihre Shows in der Mundpropaganda als hoch begehrte Events gehandelt werden. Die WELT schrieb über seinen Auftritt auf dem Überjazz Festival in Hamburg:
„Kommen wir zu den Höhepunkten eines Festivals, das nicht nur die Besucherzahlen des Vorjahres, sondern auch dessen Vielfalt noch übertraf. Der hymnische, von überraschenden Brüchen und Gefühlseskapaden geprägte Pop des Griechen Theodore steht in der Nähe von Arcade Fire, Get Well Soon, Coldplay und Philip Glass. Und er passt so herrlich auf ein Festival, das den Jazz im Namen trägt, weil er vor jeder Kategorisierung Haken schlägt oder gleich den Stinkefinger zeigt.“ November, 2015
QUOTES
„Kurze Pause gefällig? Einfach mal abschalten und allem entschweben? Kein Ding mit Theodore. Der 24jährige Multi-Instrumentalist lässt einen beim Hören seines neuen Albums vom ersten bis zum letzten Ton schlichtweg dahindriften und entspannen.“ hamburg:pur August 2016
„Der junge Multiinstrumentalist – Theodore spielt Keyboards, Saxofon, Gitarre und Glockenspiel – ist ein Phänomen, ein „Mozart des digitalen Zeitalters“, wie er in der griechischen Presse überschwänglich bezeichnet wird.“ eclipsed September 2016
„Der Multiinstrumentalist aus Athen versteht sich durchaus auf griechische Volksmusik, aber seine introvertierten, atmosphärisch dichten englischsprachigen Songs haben viel mehr mit ernsten britischen Bands wie Radiohead gemeinsam als mit Sirtaki-Ausgelassenheit.“ Penthouse Jui-August 2016
„Theodore verbindet elegant seine rau-rauchige Stimme mit ausdrucksstarker Musik, die Rock und Ambient-Pop umarmt. Und auch der klassische Klavierunterricht der Jugend trägt zum Klangbild bei. Über lange Passagen nimmt Theodore seinen eigenen Gesang zurück und lässt Raum für die Gedanken der Zuhörer. Genial!“ Schwulissimo August 2016
“Seine Musik berührt, ist aufwühlend und im nächsten Moment beruhigend. Er lässt einen sich verloren fühlen, nur um einen im nächsten Moment wieder einzufangen. Es pendelt sich irgendwo zwischen Klassik und Rock ein, ohne sich in irgendeine Genrebox ordnen zu lassen.“ FastForward-Magazine.de 22. Juli 2016
Robert Redweik präsentiert in seiner Live-Besetzung aktuelle und neue Songs im Auster Club Berlin.
Tickets ab sofort bei Eventim verfügbar!
Online oder via Telefon: 01806-570070
Robert Redweik, Newcomer National, zählt zu der erfolgreichen Garde der jungen deutschen Singer/Songwriter. Nach seiner letzten Single „Chapeau“, die sich über Monate erfolgreich in den Airplaycharts positioniert hat, arbeitet der Künstler aktuell an neuen Songs für sein erstes Solo-Album. Beim SR 1 „Die jungen Wilden“ wurde Robert Redweik als Newcomer National, neben Hauptact Bosse, angekündigt. Mit einer außergewöhnlichen Live-Besetzung, inklusive Cellistin, bietet Robert Redweik ein beeindruckendes Konzerterlebnis und schafft es immer wieder die Zuschauer von sich zu begeistern.
Wir laden Euch herzlichst ein zu einer brillianten Tourabschluss Party mit Konzert am Ende eines turbolenten FINS Jahres. Es gibt illustre Gäste und einen sehr guten Support.
Und der Austerclub lässt uns schön lang feiern, ohne Wasserschäden, ohne Techno Hipster DJ Alarm oder Ähnliches.
Nur die Nacht und wir mit Euch, eventuell kommt nachher so Aretha Franklin auf die Tanzfläche, so siehts aus.
FINS tauchen mit ihrer kürzlich veröffentlichten Platte tief hinein in die guten alten Hallfahnen, in denen der große digitale Pop geboren wurde, mit schillernden Klangfarben, viel Konfetti und Glitzersound, geprägt von Prefab Sprout und The Police ebenso wie von Niki & The Dove und The Preatures.
Alle in der Band haben mit den großen Stars der deutschen Poplandschaft wie z.B. mit Boy, Clueso, Philipp Dittberner, Judith Holofernes, Marcus Wiebusch, Max Prosa und Mark Forster zusammengearbeitet, als Mitglieder in deren Livebands oder im Studio.
FINS war bereits zu Gast bei Jan Böhmermanns NEO MAGAZIN ROYALE, in den Campus Charts auf Platz 5 und zuletzt live auf dem Maifeld Derby Festival. „Out of Sight“ ging schon durch diverse Youtube und Spotify Playlists und erobert immer weiter die Clubs.
Und das sagt die Presse:
Rolling Stone:
„Andi Fins versteht es bestens, zeitgemäße Popmusik zu machen, die nicht total egal ist, weil in ihr eine Leidenschaft wohnt, die mehr will, als die Charts zu erklimmen.“
INTRO:
„Eingängige Beats treffen auf cheesy Synthie-Wellen und swingende Harmonien […] Schwelgen in Träumen, bis die Mauern brechen – Fins verzaubern uns mit dieser Vorstellung.“
Nothing but Hope and Passion:
„Reminiscence of early glam rock with hints of modern themes, FINS perfectly encapsulates the uncertainty of tomorrow with the sweet memories of yesterday. A colourful hidden little masterpiece that will surely be a feature of your spring playlist.“
Radio Tide:
„Endlich ‚mal wieder ein richtig geniales, sehr gut produziertes Pop-Album. Ein Muss! Musikalischer Hörgenuss! Und die Stimme Andi Fins zum dahinschmelzen.“
Captain Jack wartet im Gangsters Paradise, Mr President likes to move it – Saturday Night is Love!
Berlins bester – DJ OOOH YEAH – legt mal wieder seine Favourites in voller Lautstärke auf. Mit dabei, mit dem Antlitz eines Scatman John gesegnet, DJ Dr. Albern.
Großartiges Songwriting, unglaubliches Gitarrenspiel, eine warme, soulige Stimme und eine unwiderstehliche Live-Performance – das ist Jaimi Faulkner.
Ein junger talentierter Australier, der seinen eigenen Stil geschaffen hat.
Jaimi Faulkner wohnt seit einigen Jahren in Deutschland und tourt seitdem ununterbrochen.
Mal solo, mal mit kompletter Band – mal als Headliner und mal als Support von Künstlern wie Tina Dico, Tom Odell, Paul Young oder Vonda Shepard.
Folly and The Hunter is an indie folk band from Montreal. Catchy melodies, multiple harmonies and a subtly crafted mix of instruments blend to create warm and full compositions. Folly and the Hunter bases its sound in the American folk tradition and pulls inspiration from contemporary indie and post-rock trends, resulting in pop songs that carry emotional and artistic depth.
Nach dem High School Abschluss in Chile kam der heute 23-jährige Deutsch-Chilene Lean Bravo vor wenigen Jahren nach Berlin – im Gepäck: nur seine Gitarre und der Traum als Musiker durchzustarten.
Mit seiner Stimme, Ausstrahlung und Perfektionismus bringt er alles mit was es braucht, um diesen Plan in die Realität umzusetzen.
Nun veröffentlicht er endlich seine Debut-EP “Made to Fit” und gibt uns einen Einblick in sein musikalisches Schaffen zwischen Soul, Pop und Rock. Dabei schafft er es wie sonst nur ganz Wenige, authentisch mehrere Musikrichtungen zu bedienen und seinen Stempel aufzudrücken.
Pünktlich zur Veröffentlichung von „Made to Fit“ findet am Donnerstag, den 27. Oktober 2016 das offizielle Release-Konzert im Auster-Club in Berlin Kreuzberg statt. Den Abend musikalisch eröffnen wird die wundervolle Janine Villforth.
Tickets: https://musszo.yapsody.com/event/index/47151/teresa-bergman-natascha-bell
Ein Powerfrauen Abend mit zwei Ausnahme Sängerinnen. Natascha Bell und Teresa Bergman verbindet ihre ausdrucksstarken Stimmen und ihr musikalisches Fingerspitzengefühl. Zum ersten Mal stehen sie gemeinsam in Berlin auf der Bühne.
TERESA BERGMAN
„Phantastische Stimme, phantastische Songs. Einfach so. Bläst sie einen um.“ Teresa Bergman, Sängerin und Komponistin aus Neuseeland kaufte sich einst ein One-Way Ticket nach Europa und entwickelte ihren funky Folk-Pop im bunten Schmelztiegel Berlin. Wenn Sie mit ihrer Western Gitarre und ihrer Band auf der Bühne steht und den typischen Bergman-Groove anstimmt, lässt sie ein sitzendes Publikum zügig die Stühle verrücken. Teresas Melodien sind eingängig, ohne dabei aufdringlich zu werden. Ihr Mut zu musikalischen Kontrasten, ihr Mix von Spaß und Ernsthaftigkeit und ihr Sinn für charmant-ironische Cabaret-Theatralik machen Konzerte auf Festival- wie Club-Bühnen zu ebenso intimen wie mitreißenden Erlebnissen. Ihre humorvollen, manchmal auch hintersinnigen Songtexte zaubern schnell ein Lächeln auf die Gesichter der Zuschauer. Daher wundert es nicht, dass Sie in der vor Talenten platzenden Stadt Berlin, längst keine Unbekannte mehr ist. Nun geht es im Herbst erneut auf Deutschland Tour.
NATASCHA BELL
Als Singer/Songwriterin aus Hannover startete die gebürtige Kielerin Natascha Bell vor rund fünf Jahren ihre Musikkarriere. Dabei fällt sie nicht nur durch die ihre schimmernden roten Haare auf, sondern besticht durch die Vielseitigkeit ihrer Musik. Ob mit Band, oder allein mit der Gitarre, weiß die Halbengländerin ihre persönlichen Texte immer in Szene zu setzten. Im Laufe ihrer Karriere hat sie viele Musikrichtungen gestreift, die alle ihren Weg in die Songs gefunden haben und für Abwechslung sorgen. Dabei finden Reggae-Rhythmen und rockige Momente ihren Weg in ihre Musik, die sich irgendwo zwischen Pop und Jazz einpendelt.
Facebook: https://www.facebook.com/nataschabellband/
Video: https://youtu.be/eSCPn4biAY4
http://www.facebook.com/Raglans www.raglans.tumblr.com https://www.youtube.com/watch?v=V9P2As4JCu4&feature=youtu.be
„We can´t get these songs out of our heads“ – The Guardian
Die irische Indie-Kombo Raglans kehrt im Herbst mit ihrer neuen Single „Who Knows“ sowie der EP „Again & Again“ (VÖ am 16.09.) zurück auf deutsche Bühnen. „Who Knows“ ist die erste Veröffentlichung neuen Materials seit ihrem Debütalbum, welches 2014 in die Top 5 der irischen Charts ging und in Deutschland im letzten Jahr veröffentlicht wurde.
„Again & Again“ haben sie live in Los Angeles mit den Produzenten Jason Wade (Lifehouse) und Chris Murgia aufgenommen und von Chris Sheldon (Foo Fighters, Biffy Clyro, Pixies) mixen lassen. Die EP beinhaltet 5 ausgewählte Songs des anstehenden Albums, welches für 2017 erwartet wird.
Mit biografisch konnotierten Lyrics verarbeitet das Indie-Quartett ihre letzten zwei Jahre über das Reisen durch die Welt, mit allen Höhen und Tiefen im Leben einer Band, die sich als Newcomer durchs Musikgeschäft schlägt. „Again & Again“ präsentiert einen neuen und ausgereiften Raglans-Sound: Die Identität des erfolgreichen Debüt-Albums bleibt erhalten, wird aber dank der unbändigen Motivation der Band sowie der anhaltenden Energie ihrer gefeierten Live-Erfahrungen einen gehörigen Schritt nach vorne gebracht.
Beginnend mit Festival-Shows in 2011 haben sich die Raglans schnell einen Ruf als explosive Liveband erspielt und verbuchten etliche ausverkaufte Headliner-Shows in Irland und UK sowie Auftritte auf namhaften Festivals wie dem Electric Picnic, Sea Sessions, Eurosonic, Latitude, Camden Rocks, SXSW, The Great Escape oder Rockavaria. Des weiteren war die Band mehrfach mit internationalen Künstlern wie Haim, Twin Atlantic, The Fray oder The Strypes auf Europa-Tour und als Special Guest auch Teil der ausverkauften Performance von The Libertines im berüchtigten Hyde Park.
Im Oktober steht nun eine EP-Release-Tour mit ganzen 32 Daten in Irland, UK, Deutschland, Österreich, Belgien, Niederlande, Frankreich, Spanien und Indien an.
Zu diesem Anlass freuen wir uns auf neun Deutschland-Konzerte (inklusive sieben Support-Shows für Milliarden) vom 27.10. bis 05.11.2016.
Love Shop hat eine außergewöhnliche Geschichte im dänischen Rock.
Zwei von den drei Bandgründern – Akkordion Virtuose und Sänger Henrik Hall und Gitarrist und Producer Hilmer Hassig – sind leider von uns gegangen.
Die Band steht so schön und kraftvoll wie eh und je mit neuen Mitgliedern und der Seele der alten Besetzung da.
Die Band feiert ihr 25-jähriges Jubiläum mit einem „Evergreen – Best Of“ Album und einer authentischen Biografie.
Evelinn Trouble – Exillondonerin aus Zürich in Berlin.
Sie löst die Versprechen ein, die sie mit ihrem Namen gibt:
Ihre Konzerte sind eine Achterbahn der Gefühle: Märchenhafte Balladen werden unterbrochen von alptraumhaften Gitarren, hymnische extrovertierte Melodien werden auf einmal zerbrechlich und klein. Bebende Wut folgt auf tiefe Trauer folgt auf kompletten Nihilismus.
Ihre mitreissenden Live-Shows und ihr nunmehr viertes Album „Arrowhead“, das am 14. Oktober in Deutschland erscheint, haben ihr bereits den Ruf als eine der spannendsten Musikerinnen der Schweiz eingebracht.
Nach einem ausverkauften Konzert im Mai 2016 in der Kantine am Berghain kommt der Gitarrenvirtuose und ehemalige Kurt Vile-Sideman Steve Gunn mit seiner Band noch ein zweites Mal nach Berlin, um im intimen Rahmen des Auster Club aufzutreten.
Hört man die Musik von Steve Gunn, beschleicht einen das Gefühl, der US-amerikanische Songwriter würde mit der E-Gitarre auf der Terrasse seiner Ranch jammen, nachdem er sich den Wüsten-Sand aus dem Stiefel gekippt hat. Zumindest bestechen seine Songs mit einer Lockerheit, die man ansonsten vielleicht nur noch bei seinen Kollegen von The War On Drugs oder Kurt Vile, bei dessen Begleitband (The Violators) er zuvor auch im Einsatz war, vermittelt bekommt. Und so ist das auch bei seinem je nach Zählweise dritten (mit Band und Gesang), achten oder fünfzehnten (Wikipedia) Album „Eyes On The Lines“. Auf diesem steht neben coolen bis meditativen Sounds hauptsächlich Gunns Songwriting im Mittelpunkt. Gunn, mehr Erzähler als Chronist, schildert Geschichten von fiktiven wie realen Charakteren, und beschäftigt sich – wie auch schon bei dem von Kritikern wie Fans gefeierten Vorgänger „Way Out Weather“ – mit deren Beziehung zur Umwelt. Dabei ist „Eyes On The Lines“ seine bisher konkreteste und eingängigste Ode an die Vorfreude auf eine Reise ins Unbekannte.
“ Gunn geht mit seiner Musik in die Vergangenheit, reist durch die Geschichte des amerikanischen Songwritings, ist on the road und verweilt bei den größten Gitarristinnen und Gitarristen, um von dort aus seine Vision aufzubauen. Und die klingt wunderbar, ist warm, verspielt und trotzdem sehr definiert.“ (Spiegel Online, 9.0 von 10 Punkten)
„New Sounds from Down Under“ heißt unsere neue Reihe, die sich am 8.11. erstmals einen musikalischen Gast vom fünften Kontinent in den Auster Club holt.
Mit ihrem dritten Albumrelease „One of Us“ im Gepäck werden Cash Savage & The Last Drinks aus Melbourne den Auftakt machen, danach legt DJ Swagman australische Musik-Schätze bis in die Nacht auf. Die gesamte Vielfalt jenseits bekannter Namen steht dabei im Vordergrund, lokale Helden aus den Metropolen landen ebenso wie die Klassiker aus dem Garage/Punk/Rockandroll-Universum auf den Plattentellern, ein Schuss Pop darf dabei ebenfalls nicht fehlen. Und für alle durstigen Geister gibt es Bierspezialitäten „Cooper’s“ und „Little Creatures“ aus Australien.
Hypnotising audiences worldwide with their signature brand of country, blues and irresistible authenticity, Cash Savage and the Last Drinks are an award-winning six-piece with a live performance hailed among Australia’s best.
Singer, songwriter and frontwoman Cash Savage has toured Australia since 2009, capturing audiences with her growling vocal and enigmatic performance. In 2015, the band entranced waves of new fans across six European countries, playing the acclaimed Colours of Ostrava Festival and bar shows across Germany, Austria, Netherlands, Poland and France.
Cash’s heart-pumping live show is backed by the devastating honesty of her lyrics and the raw talent of the band behind her, including shredding guitar, hammering banjo and heartbreaking fiddle.
This year will see the world fall in love with One Of Us, the band’s third studio album and most intricate work to date. Featuring themes of loss, love, and landing hard, the new o ering already has crowds around Australia on their feet.
The band’s stunning second album The Hypnotiser received rave reviews from Australia’s most highly respected journalists, and was nalist at the prestigious EG Awards for lead single ‘I’m In Love’. The Hypnotiser featured prominently in the Top 10 Albums of 2013, and was named among the Top 25 Highly Recommended albums on the Coopers AMP Music Prize list.
Since forming in 2011, Cash Savage and The Last Drinks have chewed through Australia’s festival circuit, including Meredith Music Festival, Port Fairy Folk Festival, Dark Mofo Tasmania, Deni Blues and Roots and Wave Rock WA, plus a restorm sell-out showcase at the Australian World Music Expo.
Das New Yorker Trio kommt beim dritten Album „Plaza“ sehr auf den Punkt: Psychedelic, Pop-Refrains, Tanzbarkeit, 70er-Westcoast-Sound und Retromanie verein, um mal Flight13 zu zitieren – „stilistisch ein Spagat zwischen Nostalgie und einem variantenreich aufgearbeiteten, sowohl psychedelischen als auch mit Hängenbleiberefrains aufwartenden Hippie-Sound der 60er/70er und der Gegenwart – die Gitarren twangen, wabern, schimmern und schwellen, Orgeln sorgen für einen stimmungsintensivierenden Hintergrund und die coolen Drums machen das Album deep, dazu abwechselnd männlicher und weiblicher Gesang und tolle Chorvocals als Background, umspielt von auch Flöten, Harfen, Sitargitarre oder Streichersounds.“
Anders gesagt: perfekt passend für einen Novemberabend in Berlin. Oder so ähnlich.
(handshake) Hallavara. Das ist der Name einer südschwedischen Küstenstadt. Genau dahin haben sich die Badener Al Pride für eine längere Zeit zurückgezogen, um konzentriert und intensiv an ihrem neuen Album zu arbeiten, das deshalb genau diesen Namen trägt. Am Resultat gemessen war dieser Ort eine ausgesprochen reiche Quelle der Inspiration und Schweden also de nitiv eine Reise wert. «Hallavara» ist ein starkes Stück neue Musik. AL PRIDE beweisen damit internationales Format.
«Wir schreiben die Musik im Kollektiv», erklären Luk & Nico Schulthess, mit dem Ergebnis hörbar zufrieden. «Dementsprechend breit sind die Ein üsse. Fünf individuelle Musikgeschmäcker kreieren einen individuellen Musikstil. Wir machen im weitesten Sinne Pop. Aber erfrischend rauen, kantigen Pop, sphärisch und mit starken Stimmungen. Von der Beschreibung her sehr nahe am Herbst, wie wir ihn in Hallavara erleben durften – eine wunderschöne Jahreszeit.» Und schieben augenzwinkernd nach: «Man könnte unseren Stil deshalb auch Fall-Pop nennen.»
Ganze fünf Wochen («lange Tage und wilde Nächte») haben AL PRIDE für den Finish des neuen Albums an der Schwedischen Südküste verbracht. Der Weg zu «Hallavara» war intensiv. Und auch gruppendynamisch anspruchsvoll. «Wir sind ja ein 5er-Kern, mit den Bläsern sogar 8 Mitglieder. Davon drei Leadstimmen. Sowie zwei Brüder, was manchmal für gehörig Reibung sorgen kann», beschreibt Luk Schulthess süf sant lächelnd die Konstellation. Zudem ist es ja bekanntlich auch gar nicht so einfach mit dem Loslassen. Das jedoch war unbedingt notwendig. Immerhin war ursprünglich «Rohmaterial» für etwa 55 Songs vor- handen. «18 davon haben wir mit nach Schweden genommen und dort in eine konkrete Form gebracht. Abschliessend haben wir schliesslich kompromisslos zehn Songs für das Album ausgewählt. Dieser Teil des Prozesses war echt hart und teils sehr emotional.»
Der Aufwand und die intensive Arbeit haben sich ausbezahlt. «Hallavara» präsentiert die bisher klar beste Produktion der Band. Ein authentisches Album mit eigenem Gesicht, eigenem Sound und eigenem Stil. Höchste Zeit also, das jüngste Kind von AL PRIDE in die weite Welt zu entlassen, wo es bestimmt gut aufgenommen wird und viele Freunde ndet. Qualität setzt sich durch. «Es ist eigentlich das erste Album, mit dem wir wirklich zufrieden sind und hinter dem wir als Band voll und ganz stehen können.»
Damit ist de nitiv ein weiterer grosser Vorwärtsschritt der ambitionierten Musiker gemacht. Sie dürfen zurecht rundum stolz auf «Hallavara» sein. Und wir freuen uns einfach ab sofort daran. Immer wieder.
Wer ist das Ding ausm Sumpf? Mal Musiker. Mal Geschichtenerzähler. Mal Reisender in die eigenen Abgründe. Ein Tanzwütiger. Ein Träumer. Franz Brenninger ist das Ding ausm Sumpf. Zusammen mit Amadeus Gregor Böhm (Elektrik Kezy Mezy) und Cop Dickie (Xavier Naidoo, Giorgio Moroder) hat er im letzten Jahr das Kurzalbum raumzeit produziert, das am 16. bzw. 29. April 2016 erscheinen wird. Intelligente Texte mit Charme, Witz und Tiefgang zu eingängiger und musikalisch aufregender Musik. Geschichten, die den Zuhörer mitreißen und die es so noch nie gegeben hat: poetisch und unerbittlich zu sich und der Welt.
Das findet auch die Initiative Musik, die Das Ding ausm Sumpf mit hoher Anerkennung für ihre aktuelle Förderrunde, u.a. zusammen mit Moop Mama und Impala Ray, ausgewählt hat.
Warum als Name gerade Das Ding ausm Sumpf? Vielleicht weil er Grenzgänger zwischen Stadt und Sumpfgebiet der Oberpfalz an der Grenze zum Nirgendwo ist. Vielleicht auch wegen seiner Familie von der liebevollen Oma bis zu den Neonazis am Bodensee, und denen, die am Tisch nicht reden. Oder wegen dem ausgewanderten Onkel, der in Somalia von Piraten angeschossen wurde, der die Ungeheuer in seinem Kopf an den Ohren krault. Wegen dem Klosterinternat, das neun Jahre sein Sumpf war und weil seine Freunde ihn dort so genannt haben. Oder und vor allem wegen dem Ding, das da im Sumpf seiner Brust fordernd pocht.“
Im Laufe der mehrjährigen Zusammenarbeit wuchs bei Amadeus Böhm und Franz Brenninger der Wunsch gemeinsam Musik zu machen. Musik, die es so noch nicht gegeben hat, mit Texten, die es so viel zu selten gibt, und mit Johannes Schlump wurde der perfekte Partner gefunden.
DAS DAS liefert die Geschichten, die in ihrer Poesie scheinbar Unsagbares unerbittlich und präzise wie ein 3D-Drucker in Bilder übersetzen und damit für den Zuhörer greifbar machen. Amadeus Böhm, bekannt aus international erfolgreichen Indie-Projekten wie „Five!Fast!Hits!!! oder „Elektrik Kezy Mezy“ und Cop Dickie, einer der aufstrebendsten Jung-Produzenten Deutschlands, so hat er u.a. schon ganze Alben für Künstler wie Xavier Naidoo und Subway to Sally oder Titelsongs für Kinoproduktionen wie „Vaterfreuden“ von Matthias Schweighöfer produziert, liefern den Soundtrack zu diesen Geschichten.
Musikalisch trifft hier die Melodien-webende Northern Soul Gitarre eines Amadeus Gregor Böhm auf das pulsierende Beat-Bollwerk eines Cop Dickie. Eingängig und immer raffiniert vermischen sich Garagenrock und Elektro. Dabei bleibt die Musik immer furchtlos vor neuen Einflüssen, so wird z.B. in unterm eis, ein dunkler Dubstep-Beat von einem eigens durchkomponierten Streichquartett à la Benjamin Britten durchrissen. Die Musik wird so Teil der Geschichte, die erzählt wird, der Geschichte eines Menschen, der das Haus, das gegen ihn Krieg führt, nicht verlassen wird.
Vielseitig und nie platt sind die Geschichten von DAS DAS. Texte, in denen man selbst nach unzähligem Hören noch neue Türen findet, wie in auf dem meer, in dem man als Zuhörer einen Manager eine Woche lang auf dem Ozean seines Alltags begleitet, vom Yoga zum Shoppen in der Fußgängerzone, von den Nachschichten zum Bett, in dem er Sonntagabend liegt und sich freut, dass endlich wieder Montag ist.
Aber nicht nur ernst und tief, auch fantasievoll und verspielt kann DAS DAS, wie z.B. in nach Genéve. Hier begleitet man einen Songtexter auf dem Weg nach Genf zu seiner großen Liebe, die dort im Cern schwarze Löcher baut und ihm zeigt, wie sich ein Kreis fühlen muss, der zur Kugel wird.
Bei aller Poesie ist DAS DAS aber nicht unpolitisch. Köstlich ist dabei DAS DASs Beitrag zur Homophobie im deutschen Hip Hop. Ein pöbelnder Macho, der sich sein nächstes Date in Chemnitz bei einem Kraftklub Konzert aufgestellt hat. Intelligent wird hier mit den Erwartungen der Zuschauer gespielt, um am Ende die Katze in den Sack zu stecken.
Besonders stark kommt DAS DAS allerdings in den ruhigen Nummern, wie z.B. auf dem Seil. Hier wird man als Zuhörer in die Abgründe einer Freundschaft gezogen, die an Stolz und Scham zerschellt. Ein Film für die Ohren. Storytelling, wie es das im deutschen Hip Hop noch nicht gibt.
Deshalb wird raumzeit auch als Buch erscheinen. Gesetzt von Nora Schüssler gehen hier die Texte auf Reisen in Bildern des Künstlers Michael Weißinger, der auf Basis der Songs von raumzeit neun Holzschnitte angefertigt hat. Seine fantastisch surrealen Bilderwelten kommen der weilen düster daher, erzeugen eine seltsame Spannung zwischen Fiktion und Realität, verstärkt durch die Kombination aus den bestechenden Details in Schwarz und Weiß und den für den Holzschnitt charakteristischen Spuren der Schnitzeisens. Eine CD als Buch, fast befremdlich im Zeitalter von Streaming, in dem Musik zur Konsumware geworden ist.
Sie hat die angedüsterte Eleganz des einstigen „It-Girls der Existenzialisten“, Juliette Gréco, und Johnny Cash klingt auch oft durch. Doch June Cocó als ein chansonträllerndes Cowgirl abzustempeln wäre weit gefehlt. Die Songwriterin aus Leipzig hat viele Inspirationsquellen: Nina Simone, Randy Newman, Tom Waits oder Bob Dylan sind einige. Zu hören kriegt man auf ihrem Debüt „The Road“ feine und kantigere Töne wie Noise, Dreampop oder Ambient, denen stets ein schöner Schuss Vintage anhaftet.
Vor sieben Jahren fing sie an, eigene Songs zu schreiben, die musikalisch in Jazzgefilde mündeten und ihr Jobs als Pianistin in Bars und Hotel-Lounges verschafften. Spielpraxis wurde gesammelt und die Livequalitäten ihres Gesangs perfektioniert. Ihre Musik erweiterte sich vom Jazzigen hin zu „futuristischem Italowestern“: Ennio Morricone also outta space? Wohl kaum, denn selten kriegt man ein so facettenreiches Album vorgesetzt wie das Debüt der June Cocó.
„The Road“ versprüht Aufbruchstimmung. Die Texte handeln von Liebe und damit verbundener Sehnsucht, von Freundschaft, Freiheit und Unabhängigkeit. Davon zeugt beispielsweise das mit außer- ordentlichem Single-Potential ausgestattete „Rain Falls“, wo mit Vergangenem abgeschlossen und hochmotiviert in die Zukunft geblickt wird. Dabei kommt June Cocó’s Stimme eine besondere Bedeutung zu: wirkt sie hier noch selbstbewusst bis kämpferisch, möchte man sich gleich darauf im minimalistisch arrangierten „Romeo’s Late“ in den Schlaf wiegen lassen, so einfühlsam, liebevoll und klar singt sie.
Begeistert ist auch Jazzlegende Richie Beirach, einst an der Seite von Stan Getz, Chet Baker oder John Scofield unterwegs und heute Professor für Jazzpiano an der Hochschule für Musik Leipzig: „June Cocó is multi-talented and multi-stylistic. Once you hear her music, it’s a completely satisfying, very uplifting and inspiring feeling. There is a broad collection of different styles, lyrics and attitudes. And of course the voice and creative energy is the one very consistent thing behind all the music.“
Die englische Newcomerin Amber Bain, besser bekannt als The Japanese House sorgte bereits als Support für The 1975 für Furore. So dauerte es auch nicht lange, bis die 20-Jährige mit ihrem verträumten und perfekt produziertem Alternative Pop die Aufmerksamkeit der Produzenten George Daniel & Matthew Healy erregte. Zu dritt arbeiteten sie Anfang 2015 an The Japanese House’s erster EP Pools To Bathe In. Dem melancholischen Debüt folgte im November 2015 die aktuelle Clean EP. Der Nachfolger strahlt sowohl elektronische Friedfertigkeit, als auch luxuriöse Gelassenheit aus und vereint Einflüsse von Imogen Heap, sowie The 1975. Beide EPs der jungen Wahl Londonerin erschienen bei dem englischen Label Dirty Hit.
(handshake) „Spectacular talent.“ – so betitelte Jamie Cullum in seinem Programm auf BBC Radio 2 einst Marc O´Reilly aus Cork in Irland. Mit eingehender akustischer Tiefe, einer äußerst tighten Band und schier tobender, musikalischer Freude bewegt sich der irische Songwriter Marc O´Reilly zwischen wilden Blues-Elementen und gefühlvollem Gesangs-Folk. Marc hat sich bislang in Irland mit seinen zwei Albumveröffentlichungen „Human Herdings“ („The best Irish release in the last 5 years“ – 2UIBestow, „Borders on being a work of genius“ – FATEA Magazine) und „My Friend Marx“ einen Ruf als einer der aufregendsten Künstler im Folk/Blues-Genre erspielt, vergleichend genannt werden oftmals John Marty und Ray LaMontagne.
Marc ist bereits durch ganz Europa getourt, nennenswerte Auftritte hatte er bei Großfestivals wie dem Glastonbury, Electric Picnic, Beautiful Days, Shambala und vielen mehr. Auch in den USA ist er schon beim Live in the Vineyard Festival in Napa, California aufgetreten. Seine Arbeit als Songwriter und Sänger hat ihm in UK nennenswerte Radioauftritte bei BBC 6music, Today FM und BBC Radio 2, u.a. für einen Session-Gig bei der Jamie Cullum Show mit dem MOBO-Gewinner Karios 4tet beschert.
Den Startschuss für seine Solo-Karriere auf dem deutschen Markt setzte es nach seinem Showcase auf dem holländischen Eurosonic Noorderslag im Januar mit dem Deutschland-Re-Release seines Albums „Human Herdings“ am 18.03. (Virgin Records Germany) und dem Support für die Albumtour von L´aupaire im April 2016.
Kalt ist es in der Welt und Sorgen wehen durch das offene Fenster hinein. Doch unten von der Straße herauf ruft eine Stimme: Du musst das alles gar nicht!
Diese Stimme gehört Neo Rodeo-Sänger Johannes, der mit seinen vier Mitstreitern Mathias, Jeremy, Jan und Simon nicht weniger will als dir ein Lasso zuwerfen, an dem du dich festhalten kannst. Bingo Ringo!
Der Sound ist auf den Punkt wie frisch aus England importiert. Gitarren flirren, das Schlagzeug treibt. Das alles kennen wir schon. Und doch ist es, als würde man den Begriff der Sehnsucht neu definieren. Revolutionen scheitern auf dem Sofa, Tänzer bleiben ihrem Beat treu, Liebespaare sind zu sexy für die Welt und am Ende ist da immer noch die Musik. Und die ist unser allerbester Freund, wie die Band in „Dos Amigos“, einem herrlich unverschämten Stilmix aus Neue-Deutsche-Welle-Lyrik & Wüstenrock-Riffs, behauptet.
Nach ihrem ersten Album „Mein junges und sorgloses Herz“ tourten sie durch Deutschland, Österreich und die Schweiz, hatten ihren ersten Fernsehauftritt bei Ina Müller und sowohl Kritiker als auch Fans waren verzückt.
Mit „Bingo Ringo“ erscheint nun endlich das zweite Album von Neo Rodeo und es ist wunderbar vielschichtig geworden. Gemeinsam mit dem Produzenten Alaska Winter (Entdecker und Produzent von Anajo) schlossen sich die fünf Freiburger Jungs in den stillgelegten Teil einer lokalen Brauerei ein, um in den rauen Gemäuern den passenden Sound dafür zu finden. Und es hat sich gelohnt.
„Für die Show / Sag ich yeah / Und schick ein Go-Go-Go hinterher
Hör auf den Muezzin tief in dir drin / Und gib dem ganzen Ding einen Sinn“
Das ein oder andere verschmitzte Grinsen wird man sich beim Hören dieser Platte nicht verkneifen können. Denn immer wieder stößt man auf raffiniert verpackte Popzitate und thematische Elemente, deren Sinn sich erst nach einiger Zeit – dann aber mit Nachdruck – erschließt. Nur um gleich im Anschluss wieder von einer simplen sprachlichen Direktheit überrascht zu werden, die Neo Rodeo von Beginn an ausgezeichnet hat. „Ich weiß, wie der Hase läuft – er läuft, so schnell er kann“, heißt es im Song „Herr Schmidt“. Eine einfache Weisheit, die so aber noch niemand ausgesprochen hat.
Neo Rodeo sind sehnsuchtsnahe Geschichtenerzähler, die nicht mit deinen Gefühlen spielen, sondern sie so sorgsam gegen die Wand werfen, dass ein wunderschönes Bild daraus entsteht. Und wenn man Neo Rodeo trauen darf, ist das alles sowieso nur ein Spiel und wer den Tagesgewinn zieht, darf sich freuen, dass er ihn gewonnen hat. Am nächsten Tag mag jemand anderes auf dem Siegertreppchen stehen. Aber warum sollte uns das traurig machen? Heute war man einfach unschlagbar und alles andere ist erstmal egal. Eine Sicht der Dinge, die sich jeder wünscht und trotzdem kaum einer hat.
„Wir sind nicht nur Freunde, weil uns sonst keiner mag“, heißt es im Titelsong – warum nicht der knallharten Realität mal einen butterweichen Blick zuwerfen?
„Heilige Madonna der 6 Saiten! Es gibt sie noch. Junge Rockbands, die genau wissen, wie man die Harfe bläst!“ (GrandGuitars)
Der zweite Platz beim Deutschen Rockpreis, Support für Deep Purple und jede Menge begeisterter Reviews auf das Debutalbum von 2015: diese Band wird sich ihren Weg bahnen – das hört man von der ersten Minute an! Ein wildes Rock-Feuerwerk an Retro-, Blues-, Indie – und Garage-Elementen kommt so ungeschliffen und kraftvoll daher, dass man einfach nicht anders kann als „Motor an und Abfeiern!“
Nun veröffentlichen The Wake Woods im November ihre Single „Get Outta My Way“ und gehen erneut auf Tour. Eine Station ist der Auster Club in Berlin. Da erwartet den Zuhörer nichts anderes, als „ein adrenalingeschwängerter Hammer nach dem anderen“ (SLAM)! Und zwar mit ehrlicher, handgemachter Rockmusik. „Folks along the main route couldn´t make me stay“ heißt es gleich in der zweiten Zeile des Titelsongs. Da wird nicht auf Mainstream gebaut oder nach Airplay geschielt!
Dennoch: Catchy Hooks und die markante, kräftige Lead-Stimme von Ingo Siara haken sich in den Gehörgängen fest. Saufrech drücken die vier jungen Berliner dem Sound, der an Jet, The Hives sowie der „guten alten“ Rockmusik der 60er und 70er erinnert, ihren eigenen, energiegeladenen Stil auf – frisch, direkt und voller Adrenalin!
Klischée wirbeln die Schweizer Musikszene ordentlich durcheinander. Ihre Liveshows sind berühmtberüchtigt und hinterlassen für gewöhnlich eine tanzwütige Meute. Die Band bringt LiveElectro auf ein nächstes Level und setzt die Latte hoch. Unterstützt durch geile Visuals und unermüdliche Beinarbeit, reissen die Jungs die hinterletzte Couchpotato mit.
Bunt umherwirbelnde Gummibälle so muss das Publikum aussehen. Dafür geben Klischée alles. Immer und überall: die vier touren was das Zeug hält und haben bereits an den grössten Schweizer Festivals gespielt (u.a. Gurtenfestival, Openair St. Gallen, Montreux Jazz Festival, Zürich Openair, Winterthurer Musikfestwochen), mehrfach für ausverkaufte Clubs gesorgt (zb. Bierhübeli Bern, Dachstock Bern) und im Ausland das Publikum aufgemischt (u.a. Bestival UK, Boomtown UK, Sazavafest CZ, Astra Berlin DE, Village Underground London UK).
Wer die Jungs live gesehen und gehört hat, spürt noch Tage nach dem Konzert die wummernde Energie. Und den Muskelkater. In ihrer Liveshow haben sie sich losgelöst vom puren ElectroSwing ihres Debutalbums, haben selbstbewusst mit diversen Genres experimentiert. Kein Versuch wurde ausgelassen. Was geblieben ist, ist ihre Liebe zur elektronischen Musik in Verbindung mit Bläsern. Da stampft noch immer der Beat, da blasen noch immer die Hörner. Wer die Präsenz und das Charisma des Frontmanns kennt, wird sie in den neuen Songs wiederfinden. Klischée haben im 2016 ihre Stimme definitiv gefunden.
Die typische KlischéeHandschrift darf natürlich auch heute nicht fehlen dass alles aus einem Guss kommt, hört und sieht man. Denn am liebsten machen sie immer noch alles selbst, vom Songwriting übers Produzieren bis hin zum Artwork. Noch stärker als zuvor gehen sie ihren musikalischen Wurzeln nach, die weiter zurückliegen als das Geburtsjahr ihrer Omas. Blues, Funk, Disco, House, AfroPop, Chanson, eine Prise Swing, Rap und Trap: Alles gemixt, gerührt und wieder ausgespuckt ist das, was Klischée ausmacht.
Die Bandmitglieder stammen ursprünglich fast alle aus derselben Ecke der Schweiz. Mittlerweile sind sie jedoch multikulti und haben sich in Bern, Zürich und Basel verteilt. Musik wird in Olten gemacht. Und wer im nebligen Olten Sound produziert, muss umso farbiger denken. Denn bei Klischée gehts um schweisstreibende Beats, elektrisierende Melodien und ekstatische Rhythmen aber lange nicht nur! Die Jungs gehen tiefer: sie sprechen Themen wie Nonkonformismus, Toleranz, Orientierungslosigkeit und kulturelle Vielfalt an. Nachdenklich, tiefgründig, durchaus positiv, hoffnungsvoll, sommerlich, auch mal crazy, immer ehrlich, ironisch, fresh und exotisch. Hauptsache Geiles mit Schmackes! Denn Klischées Welt ist nicht schwarzweiss, sie ist dunkelbunt und hellfarbig. Wenn die vier ihr kreatives Potenzial bündeln, entsteht Unerwartetes. Sie loten Grenzen aus, biegen Regeln und stellen auch mal was auf den Kopf.
„Who We Are“. Während andere Bands ihre Alben nach sich benennen, um der Welt zu signalisieren, dass sie sich und ihren Sound gefunden haben, machen FLASH FORWARD diesen Umstand noch ein Stück weit deutlicher. 2016 präsentiert die Band ein Album von jungen aber gereiften Musikern, deren Entwicklung beeindruckt aber nie aus den falschen Gründen vonstatten gegangen ist. „Das Album ist entstanden, weil wir Lust darauf hatten uns musikalisch weiter zu entwickeln und neue Facetten zu zeigen. Es geht darum sich nicht zu verändern, nur weil andere es wollen“, so die Band.
Für das Alternative-Rock-Quartett aus Wesel standen immer die Begriffe „Freund- schaft“, „Zusammenhalt“ und natürlich „Spaß“ im Vordergrund, trotzdem können FLASH FORWARD nach nur fünf Jahren ebenfalls auf eine amtliche Bilanz zurückbli- cken, die mit „Who We Are“ nicht nur das bereits dritte Album beinhaltet („Games Cheats & Fakes“ erschien 2011 und „Apollon“ 2014), seit 2010 hat die Band auch über 200 Shows, darunter 2 Nightliner-Touren und Konzerte mit BOSSE, REVOLVER- HELD, JULI, HAWTHORNE HEIGHTS (USA), EMIL BULLS, HEISSKALT, KILLERPILZE, BAKKUSHAN oder THE INTERSPHERE zu verbuchen.
Mit all diesen Erfahrungen im Gedächtnis betraten FLASH FORWARD 2015 das Studio von Dailyhero Recordings in Berlin und arbeiteten, wie auch schon beim Vorgängeral- bum, zusammen mit Florian Nowak am neuen Material. Dabei war es gerade für Songwriter Stefan Weigel wichtig, nicht nur musikalisch, sondern gleichzeitig auch in- haltlich einen Schritt nach vorne zu gehen: „Die Idee hinter unserem Album soll die Verarbeitung unserer frühen jugendlichen Vergangenheit geprägt von Freundschaft, Gelassenheit und Unbekümmertheit und den dadurch verbundenen Veränderungen durch das Erwachsenwerden sein“, beschreibt der Gitarrist und Sänger seinen Ansatz. „Wir möchten die Schwierigkeiten der Heranwachsenden in unserer Gesellschaft zum Ausdruck bringen – die Entscheidung zwischen einem normalen alltäglichen Leben in Form von Ausbildung, Beziehungen und Studium oder den Träumen und Wunschvor- stellungen.“
Auf „Who We Are“ verbinden FLASH FORWARD musikalischen Fortschritt mit einem gereiften inhaltlichen Anspruch, ohne aber die Grundprinzipien der Band aus den Au- gen zu verlieren. Dass man dabei mit internationalen Größen mehr und mehr auf Au- genhöhe agiert, wird sich in der kommenden Zeit nicht auf dem neuen Album sondern vor allem auch auf den herausragenden Live-Shows der Band zu verfolgen sein.
Die junge Berliner Musikerin STEPh wusste schon immer: Musik ist mein Leben. Die Singer-Songwriterin verzaubert ein breites Publikum und schafft es immer wieder magische entstehen zu lassen. Ihre Konzerte spielt Sie allein – mit Gitarre und Loopstation. Am 02.12.2016 wird Ihr erstes Album erscheinen.
Jonas Alaska ist in seiner Heimat Norwegen schon seit Jahren einer der erfolgreichsten Sänger und Songwriter. Bereits 2011 erhielt er den oft als „norwegischen Grammy“ bezeichneten Spellemannprisen als bester Newcomer, seine Platten verkauften sich bis heute über 15.000 mal und erreichten damit Gold-Status. Jonas Alaska spielt im Dezember eine Headline Tour zu seinem aktuellen Album „Younger“ (April 2016, popup-records). Die Auftritte erfolgen im Duo mit seiner Partnerin Merete Pascual aka Billie Van!
„Ein herrlich melodieverliebter Spaß.“ Rolling Stone Magazin
„Energetischer Pop, fein komponiert.“ Intro Magazin
„Für einen 28-jährigen geradezu ein Meisterwerk.“ Kölner Illustrierte
The Radar Post
„Wie eben bei Conor Oberst gelingt auf „The Radar Post“ die überwältigende Balance zwischen Spröde und Opulenz, Rock-Gesten und filigranem Folk- Pop, Ohrschmeichelei und Sperrigkeit, infizierendem Sendungsbewusstsein und berückender Intimität.“ (Saarbrücker Zeitung)
„Natürlich könnte man dem selbstbetitelten Debütalbum von The Radar Post zunächst unterstellen, dem Tallest Man On Earth sehr ähnlich zu klingen. Man würde aber das ausgefeilte Songwriting und vor allem die großartigen Texte unterschlagen…“ (Intro)
„Allein der erste Song Foreword ist eine Offenbarung.“ (Soundkartell)
„(Ein) Album, das Größe beweist, bis in die kleinsten Details.“ (Amusio)
20 Jahre nach dem ersten Treffen erschien nun im Oktober das 7. Studio-Album „PHÖNIX BABY!“.
Die 7 Multi-Instrumentalisten aus Hamburg-St. Pauli klingen nach wie vor ungeheuer frisch und schaffen mit dem neuen Album einen spannenden Stil-Crash aus analogem Bandsound & elektronischen Big Beat-Einflüssen.
Der appalachische Singer-Songwriter Michael Nau gehört nun zur Familie des geschmackvollen britischen Labels Full Time Hobby (Timber Timbre, Jacco Gardner, School of Seven Bells) und kündigt sein Album ‚Mowing‘ für den 18. November 2016 an. Das Album entstand unterwegs: die Songs wurden von Vermont bis Connecticut, auf einer Veranda in Nashville oder in Naus Wahlheimat Cumberland, einer kleinen Stadt in den Appalachen, geschrieben. ‚Mowing‘ klingt nach den goldenen Zeiten und antiquiertem Country aus Nashville, 70er Jahre Kammerpop und staubigen Folksongs – nach einem großartigen Album eben.
Hi! Spencer
Gegründet in Osnabrück, im Herbst 2012, im Wirrwarr zwischen Abitur und Studium. Musikalisch irgendwo zwischen Indie und Punk. Textlich irgendwo zwischen Liebe und Hass. Es geht um gebrochene Herzen und um Euphorie. Um verpasste Chancen und genau deshalb weiterzumachen. Darum, egal welche Stürme toben, den Kopf oben zu halten. Um das Gute zu sehen.
Alles im Fahrwasser von Muff Potter, Kettcar und den alten Jupiter Jones. Energie plus Herzblut plus durchgeschwitzte T-Shirts ist eine einfache Mischung für Konzerte von HI!SPENCER.
Ihr Debutalbum „WEITERATMEN“ ist 2014 mit Produzent Matthias Lohmöller im DocMaKlang Studio entstanden und wird am 06.02.2015 erscheinen. Das Video zur ersten Single „SILVESTER“ wurde von Lukas Ellerbrock gedreht, Andreas Hornoff schoss die Promofotos in Hamburg.
Great Escapes
Offiziell gibt es Great Escapes erst seit 2014, doch Maik Osterhage, Maik Pohlmann und Frederik Tebbe blicken bereits auf eine gemeinsame musikalische Vergangenheit zurück. Schon seit 2009 machen die drei zusammen Musik, damals noch zu viert unter dem Namen pavement poetry, einem Post-Hardcore-/Punkrock-Hybriden, mit dem sie fünf Jahre lang auf drei EPs und über 60 Konzerten DIY deutschlandweit ihre eigenen Grenzen ausgelotet haben. Erste Gehversuche in einem Genre, an das sich autodidaktisch angenähert wurde und die im Mai 2014 im logistischen Chaos von Studium, Umzügen und Tücken im Terminkalender ihr Ende fanden.
Maik, Maik und Fred gründeten kurz darauf Great Escapes und schrieben neue Lieder, aus denen ihr Debütalbum „To My Ruin I’ll Go Gladly“ wurde.
To My Ruin I’ll Go Gladly ist dieses Album, auf dem Great Escapes ihre Vorstellung melodischen, melancholischen und schnörkellosen Punkrocks mit dem Hang zum kleinen Drama ausformulieren. Elf Songs, von alten Helden wie Samiam, Jawbreaker und Muff Potter inspiriert, jedoch mit dem Anspruch geschrieben, nie zur bloßen Kopie der Kopie zu verkommen. Sowohl englisch- als auch deutschsprachige Songs, gespickt mit popkulturellen Referenzen, geschrieben aus der melancholisch-hoffnungsvollen Perspektive dreier Anfang-Zwanziger, die, frei nach John Niven, dem entgegenwirken wollen, was im Alltag schnell passieren kann: dass das Leben nach einer Weile
nur noch aus Warten besteht und man hier und jetzt gemeinsam etwas erschafft, das die Zeit und Mühe wert ist, wofür es sich aufzustehen lohnt.
Das Album wurde im Frühjahr 2015 mit Robin Völkert (u.a. Marathonmann, The Tidal Sleep) im Heavy Kranich Studio in Münster produziert, dem Studio der Donots, in dem Great Escapes als erste Band überhaupt aufgenommen haben.
Oliver Gottwald – das ist der sympathische, kluge und textgewitzte Mann von nebenan; unaufgeregt – aber wachen Auges. Sensibel für das, was um ihn herum passiert. Ein kritischer Geist und überzeugter Europäer, ein bisschen Romantiker, ein bisschen Traumtänzer – spitzbübisch, queer und stets ein verschmitztes Lächeln auf den Lippen.
Popmusik. Indie-Gitarren. Dance-Beats. Synthies from Outerspace. Hooklines fürs Radio und den Clubboden. Refrains für die Ewigkeit. Deutschsprachig und unbedingt tanzbereitend. Bier, Zigaretten, Disco-Schorle und Honigmelone. Letztes Jahr zurückgekommen als Tourist, um für eine ganze Weile lang ein Reisender zu bleiben – über Stadt, Land, Fluss auf dem Rücken eines Mustangs. Interrail für Erwachsene mit dem Soundtrack fürs ewige Kindsein. Im Handgepäck: zeitlose Hits und eine EP mit neuen Lieblingsliedern.
Die höflichste Band der Welt lässt sich entschuldigen. Knapp drei Jahre waren 8BCC auf deutschen Bühnen unterwegs und haben in kürzester Zeit alles erreicht, was für Bands ihrer Größenordnung möglich ist: Mittelviel. Und damit vorerst genug. Denn bevor ihnen der überschaubare Erfolg zu Kopf steigen kann, machen sie jetzt schnell Schluss. Für einen standesgerechten Abschied begeben Sie sich ein letztes mal gemeinsam auf die Straße und laden zur megalomanischen Alles-hat-ein-Ende-nur-die-Tour-hat-zwei Tour ein. Bei diesem Finale bleibt kein Platz für falsche Bescheidenheit – deshalb wird noch mal richtig aufgefahren.
Geheult wird später.
(handshake) “Dazzle Camouflage is an amazing record that will probably go down as one of the best-hidden gems of 2016!” – Best New Bands
„NEWMEN ist die derzeit heißeste Newcomer-Band im Musikbusiness.“ – interview.de
Im Dezember schicken sich HIGHS aus dem fernen Toronto an, gemeinsam mit NEWMEN aus Frankfurt auf Tournee zu gehen. Ein perfekter Fit, möchte man meinen, denn beide glänzen auf ihren bisherigen Veröffentlichungen mit einem einzigartigen Mischmasch aus sphärischen Gitarrensounds der 60er & 70er, Live-Drums und -Synthesizern sowie Splittern aus pop jungle, post-garage & neo-wave.
HIGHS bringen im November ihr aktuelles Album „Dazzle Camouflage“ hierzulande erstmals auf den Markt und sollte den wachsenden Erfolg in der kanadischen Heimat mühelos in unsere Lande transportieren können. Produziert wurde die Platte von Luke Smith, der am ehesten durch seine Arbeit mit Bands wie Foals oder Depeche Mode bekannt ist.
Die aktuelle Single „I Do, Do You?“ hat seit dem kanadischen Release im April 2016 bereits über 300.000 Plays auf Spotify zu verzeichnen.
Zu den Live-Erfolgen zählen vorneweg gemeinsame Auftritte mit Cold War Kids, Twin Forks, Hey Ocean, Royal Canoe und Modest Mouse in Kanada.
Die 5 NEWMEN aus Frankfurt wiederum sind schon seit einiger Zeit in Deutschland aktiv. Sie kennen sich seit etlichen Monden, haben aber erst 2012 gemeinsam einen musikalischen Weg eingeschlagen.
Im Juli 2013 erschien eine erste SUNHOUSE EP, die den Grundstein für ein albumlanges RUSH HUSH im Mai 2014 legte. Supports für „Phantogram“, „I Got You On Tape“, „Young Rebel Set“, „Claire“ & Thomas Barfod („WhoMadeWho“) folgten.
Nennenswert war vor allem die Veröffentlichung ihrer QUICK MILLIONS EP im April 2015, die erstmals auch überregional für Aufsehen sorgte.
Die nächste EP ist bereits im Herbst 2016 zu erwarten.
Stilistisch bewegen sich Les Bummms Boys mit einprägsamen Melodien und Texten zwischen Ironie, gewünschter Albernheit, aber auch einer Spur Ernsthaftigkeit… gerade wenn es auch mal darum geht Klartext reden zu wollen lassen sich in ihren Texten eindeutige Ansagen mit immer wiederkehrendem Wortwitz finden! Mit einer groovigen Mischung aus Pop, Ska, Balkan und Rock haben Les Bummms Boys ihre eigene Schublade geöffnet, welche sich durch Liedermacherpoenten und schweißtreibende Beats schlingelt und am Ende einfach nur gute Laune hinterlässt!
